受賞作『記憶の畏怖』について──

グランプリ受賞おめでとうございます。まずは、受賞作『記憶の畏怖』のコンセプトについて教えてく ださい。 この作品のテーマは記憶という概念。今まで、記憶というものをベースに、人間の感情や深層心理を表現し たいと思ってきました。そして、それを平面にどう描いていくかを追求してきました。 モチーフにしている「顔」は、感情やその人の生き方、経験、性格など、全てが内包されているのではない かと、僕は考えています。

 

──「記憶」をテーマに表現してこられたとのことですが、「畏怖」という言葉がタイトルに付いているの はなぜでしょうか。 夜、夢を見たんです。いろんな経験や体験したことが出てきました。そこで、ある種の怖さみたいなものが 表現できたらなと思ったんです。ただ単純に楽しさを表現するよりもおもしろいと思いました。 辛い思い出とか怖い思い出は、みなさんにありますよね。そういう感情のほうが印象深いというか。だから 見る方にも共感してもらえる。自分の中に作品を取り込み、考えてくれるんじゃないかと思うんです。そう いう作品を描こうとするとどうしても、明るい色よりも暗い色のほうが、自分自身も含めて共感を得るんで す。

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──デジタル版画とは、デジタルで作画してシルクスクリーンのように版を重ねていくということでしょう か? 今回の作品には、グラファイト(黒鉛)によってアナログで精密な原画を描き、それをベースにデジタルで レイヤーを使うという形でもう一度組み立てるプロセスがあります。人の顔を何層にも描くことで、リアル だけれど架空の世界が生まれるんです。 デジタルにすることで多様な表現が可能になるので、プロセスと目的をうまく融合させることができたと考 えています。支持体には和紙を使うのですが、若干出る「滲み」が、表現として一番適切だと思っていま す。リアルとは言っても「写真」にならないように、木版画のような質感を出したいんです。

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緻密に描き、抽象化する

──制作では精密に描くことが重要なのですね。 そうですね。まずは人の顔を精密に描きます。それを変化させてもう一度組み立てるというのでしょうか。 具象で描いたものを、デジタル版画によって抽象化していく感覚です。アナログとのハイブリッドという感 じですね。 似ている、似ていないではなく、ものの本質から抽象化してかたちを残しつつ、別の表現ができないかと思 ったのが版画の世界に至った経緯です。

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──細密に描くことと同等に、抽象化することも大事だとわかりました。抽象化についても考えを詳しくお 聞かせください。
かたちがなくても、ものを感じるということでしょうか。 りんごの絵を正確に描き、その要素を残しながら抽象化していくと詰まるところ「甘い」とか「酸っぱい」 になってしまう。でも僕の場合は、そのもう少し手前、かたちが少し残るくらいで抑えることにしていま す。 完全にかたちが無くなってしまうと、模様やパターンのようになってしまい、伝えたいものではなく作者が 感じたものになってしまうからです。

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デザインとファインアートについて

──一流のデザイナーとしてご活躍された経歴がありますが、デザインとファインアートに違いはあります か? デザインには目的があります。ユーザーがいて、使う目的があり、製品の機能などの条件がありますよね。 それらに対してアプローチすることがデザインです。でも、絵は自分を中心に、自分がどう表現するか。対 象がずいぶん違うという気がしますね。

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──作品を制作する際にデザイナーとしてのご経験が活きていると思うことはありますか? デザイン思考でコンセプトは考えますね。目的とか意味とか、人に説明できる内容がないと。「良い」とか 「綺麗」とか「可愛い」とか、そういう概念だけでなく、なぜそうなのかを言語化していくことがプロセス の中にないと、通じない。言語化していく作業が必ず必要なんです。 表現したものがどう見えるかという着地点は、似たような感覚かもしれないですね。

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──データを作成する工程でも、ご経験を活かすことができそうです。 そうですね。レイヤーによっていくつか色の組み合わせを検討しています。決めるというよりは、いくつか の候補から選ぶ。試すことができるのは、デジタルの良いところですね。 別のレイヤーを作ってみることもできるし、それが案外おもしろい表現になったりすることもある。いろん なシュミレーションができることが、デジタルの良さです。

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──抽象画の世界は、作家の感覚が優先されるものだという認識を持っている方も多いように思いますが、 佐井さんの場合、とてもロジカルな考えをお持ちですね。 スーパーリアリズムで有名な画家・野田弘志さんの講演を聞いたことがあります。その方は、作品を文章化 させて、それがきちんと書けていないと良い作品じゃないとおっしゃっていました。それが無いと薄っぺら い絵だと。 パッと見てよく描けているとかではなく、言語化したものを著作にするくらいに書けないとダメだと。僕は 講演を聞いた中で、それが印象に残っているんです。

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海外展の魅力

──これまでも海外展に参加されたことはあったのでしょうか? 2019年にロンドンの展覧会に参加しました。日本人だけでなく、様々な国の方が出展されていた展覧会で す。
それが初めてで、今回のサロン・ド・アール・ジャポネが2回目です。

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──今回のサロン・ド・アール・ジャポネで渡仏されたそうですが、どう感じましたか? パリの美術観を巡り、作家の力がすごく伝わってくるところに感化されました。絵の描き方に「こうじゃな いといけない」というのがないと、改めて感じました。 それから、現代美術の作品をたくさん見ることができたのも良かったです。文脈を読み解くところや、もの を抽象化させていくアプローチにとても興味があります。現代美術は何でもありな世界ですよね。タイトル とその作品を見ると、なるほどなと、頭が活性化されるところが好きですね。そう考えたか、と。

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──次の作品について何か得るものはありましたか? フランスで多くのマティス作品を見て、色彩が豊かでとても明るいところに刺激を受けました。こんなふう に明るい色彩の絵も描いてみたいと思うくらい。そういう絵もおもしろいなと想像しました。

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──海外展の魅力はなんでしょうか? 国内展は展示することだけが目的になってしまいがちだけど、海外展にはオープニングパーティーがあって 他の作家と交流したり、話し合ったりできる場がある。ワインを飲みながら、とか、ふれあいが魅力ですよ ね。今後も機会があれば海外展に出展したいです。

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About the Award-Winning Work *Awe of Memory*

──Congratulations on winning the Grand Prix. First, please tell us about the concept behind the winning work, *Awe of Memory*.
The theme of this piece is the concept of memory. I have long wanted to express human emotions and the subconscious mind using memory as a foundation, and I have been exploring how to depict this on a two-dimensional surface. I believe that the "face"—which serves as my motif—encapsulates everything: a person's emotions, their way of life, their experiences, and their personality.

──You mentioned that "memory" is your theme; why did you include the word "awe" (or "dread") in the title?
I had a dream one night. Various experiences and things I had gone through appeared in it. I wanted to express a certain kind of fear or dread—I felt that would be more interesting than simply depicting something joyful. Everyone has painful or frightening memories, right? Those kinds of emotions tend to leave a deeper impression. That’s why viewers can empathize with the work; I hope they internalize the piece and reflect on it. When I try to create work like that, I find that darker colors—rather than bright ones—resonate more deeply with people, myself included.

──Does "digital printmaking" mean creating the image digitally and then layering plates, much like in screen printing?
For this piece, the process involves creating a precise, analog original drawing using graphite, then using that as a base to reconstruct the image digitally through layering. By layering the depiction of a human face, I create a world that feels real yet fictional. Going digital allows for a wide range of expressive possibilities, so I believe I was able to successfully fuse my process with my artistic goals. I use *washi* (Japanese paper) as the substrate; the slight "bleeding" of the ink feels like the most appropriate form of expression for this work. Even though the image is realistic, I want to avoid it looking like a photograph; instead, I aim to achieve a texture reminiscent of woodblock prints.

Drawing with Precision, Then Abstracting

──So, precise rendering is crucial to your creative process?
That’s right. I start by drawing the human face with great precision. Then, I transform that image and reconstruct it. It’s a process of taking something drawn representationally and abstracting it through digital printmaking—a sort of hybrid between analog and digital methods. My journey into the world of printmaking began with the desire to explore a different form of expression: one that abstracts the essence of an object and retains its form, rather than simply focusing on whether it looks like the original or not.

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──I’ve come to realize that abstraction is just as important as detailed rendering. Could you elaborate on your thoughts regarding abstraction?
Does it mean sensing the object even without a distinct form? If you draw an apple accurately and then abstract it while retaining its elements, you eventually end up with something that simply conveys "sweetness" or "tartness." In my case, however, I try to stop just short of that—keeping just a hint of the form intact. If the form disappears completely, it turns into a mere pattern or design motif; it ceases to be the subject I wanted to convey and becomes solely about what *I*—the artist—felt.

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On Design and Fine Art

──You have a distinguished career as a top-tier designer; is there a difference between design and fine art? Design has a specific purpose. There is a user, a functional objective, and constraints like product specifications. Design is about addressing those factors. Painting, on the other hand, centers on the self—on how *I* choose to express something. I feel the subjects involved are quite different.

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──Do you find that your experience as a designer informs your artwork? I do use design thinking to develop concepts. You need a rationale—a purpose or meaning—that you can explain to others. It’s not enough to rely on abstract notions like "good," "beautiful," or "cute"; if the process doesn't include articulating *why* something is the way it is, the message won't get across. That step of verbalizing ideas is essential. That said, the final goal—considering how the finished work appears to the viewer—might stem from a similar sensibility.

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──It seems your experience would also be valuable during the data creation phase. That’s true. I often explore various color combinations using layers. Rather than making a definitive choice right away, I select from several candidates. The ability to experiment is one of the great advantages of digital media. You can create new layers, and sometimes that leads to surprisingly interesting forms of expression. The beauty of digital art lies in the ability to run various simulations.

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──Many people tend to think that the world of abstract art is driven primarily by the artist's intuition, but you, Mr. Sai, seem to have a very logical approach. I once attended a lecture by Hiroshi Noda, a painter famous for his super-realist work. He said that if you can't articulate your work in writing—if you can't describe it properly—then it isn't a good piece. Without that verbal foundation, he argued, the painting ends up feeling shallow. It’s not enough for a painting to simply look well-executed at first glance; you have to be able to articulate the concept clearly enough to turn it into a written text. That point really stuck with me from his lecture.

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The Appeal of Exhibitions Abroad

──Have you participated in exhibitions overseas before? I took part in an exhibition in London in 2019. It featured artists not only from Japan but from many different countries.
That was my first time, and this *Salon d'Art Japonais* is my second.

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──You traveled to France for this *Salon d'Art Japonais*; what was that experience like? I visited various art museums in Paris and was deeply inspired by the sheer power radiating from the artists' work. It made me realize all over again that there are no rigid rules dictating exactly how a painting *must* be created. I also really enjoyed seeing so much contemporary art. I’m fascinated by the process of deciphering the underlying context and the approaches artists take to abstracting their subjects. Contemporary art is a world where anything goes, isn't it? I love how looking at a title alongside the artwork sparks a "lightbulb moment"—that feeling of, "Oh, I see—so *that's* how they thought about it."

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──Did you gain any insights that might influence your next work? Seeing so many of Matisse's works in France—with their rich, vibrant colors—was truly stimulating. It actually made me want to try painting with such bright colors myself. I found myself imagining how interesting it would be to create work like that. ──What is the appeal of overseas exhibitions? With domestic exhibitions, the focus often tends to be solely on the display itself, whereas overseas exhibitions feature opening parties that provide opportunities to interact and converse with other artists. That kind of personal connection—perhaps over a glass of wine—is a real draw. I would certainly like to exhibit overseas again if the opportunity arises.